Monica Fuster

TAPÍS - Mónica Fuster, natura abscondita

pablo — 2025-01-30T07:59:45Z

Mónica Fuster, natura abscondita

En lo más íntimo de la pieza TAPÍS, de Mónica Fuster, en el centro de la pirámide escalonada que tiende sus astas doradas hacia los cuatro puntos cardinales, hay un pequeño cuenco donde cae la lluvia, intermitente, lustral, abrillantando con su incontable lágrima un texto de Kabir: “Tal vez mañana o cualquier día el cuerpo te demuestre que no es un lugar seguro para guardar tu vida. Como el agua en vasija de barro sin cocer.” Ese hermoso epitafio, dedicado al padre de la artista, no puede verse en el vídeo TAPÍS porque –aún– no estaba. La pieza surgirá después de su muerte, como una coda funeraria que hubiera frenado su impulso para fraguar más tarde, haciéndonos reparar en esa ausencia –el padre, el cuenco que excavaría en la piedra su memoria– como en un punto de ancla desde donde poder emprender viaje a la obra de Fuster. ¿En qué hondonada esconderé mi alma?, se pregunta Borges. Y, sin embargo, con la sencilla ceremonia de un par de manos ahuecadas con las que Fuster describe la pieza, hay un menhir negativo que taladra con su humilde fosa el espesor de una historia inmemorial.

Retro-ceder, pues. Apelar al etimón que nos empuja a caminar hacia atrás y ver en este proyecto el testimonio, trascendental, de una búsqueda. Radicarse. Arraigar. Echar raíces y dibujar en la horizontal simbólica de una biografía las líneas que definen aquello a lo que Charles Mauron se refirió como un “mito personal”. Volveremos después sobre este aparente oxímoron, pero, ahora, sigamos el vuelo de esa cámara que, en la obertura de TAPÍS, planea sobre los campos de cultivo del “tap de cortí” en Vilafranca de Bonany y nos permite sentir el don del vuelo. Descendamos a tierra y acompañemos a Mónica Fuster en la recogida del “tap de cortí”, una variedad mallorquina de pimiento cuyos ápices purpúreos apuntan al cielo como el bastón de un arúspice. Imaginemos las cámaras internas, como si de un corazón se tratara, y, en ellas, la multitud de semillas encapsuladas que habrán de propagarse en futuras cosechas. Rojo, como la sangre, el “tap de cortí” nos lleva al rubedo de la alquimia, última fase de un proceso de delicada decantación que Jung traslada desde el mundo de la materia (el elixir, el oro, la piedra filosofal) a las transformaciones que tienen lugar dentro de la alquimia psíquica. Mysterium coniunctionis que vertebra, como una vena arcana, soterrada, hermética, constante, la investigación plástica de Mónica Fuster.

Manifiesta o latente, todo discurso artístico lleva implícita una cierta narrativa. Ascender desde la cadena de representaciones que componen TAPÍS a la matriz de un significado simbólico coherente es tarea de una hermenéutica insegura sobre la que se proyecta, inevitable, el resplandor sombrío de una interpretación personal. No obstante, la cadena de isotopías que la obra reitera nos permite acercarnos a cada imagen de TAPÍS como a una serie de biografemas, testimonios indudables de la presencia de la autora y de las ob-sesiones que alberga. Proyectos precedentes, como From cause to consequence (and back again) y Oleo e I-Kâdo nos remiten, de hecho, a una investigación personalísima, hondamente tes(x)tifical y perpetuamente in fieri en el seno de una trayectoria de un admirable rigor unitario. Tejidos/textos, tinturas, libros a menudo marcados por una inquietante agrafía lexical que nos remite a la esfera de lo inefable, el carácter ritual en el tratamiento de la substancia orgánica y el color van multiplicando los múltiples senderos en los que la transformación alquímica de la materia indica una vía de ascenso que se desplaza entre tierra y cielo en la implacable tensión de una continuidad umbilical que parte de la fisicidad del producto, en este caso el “tap de cortí”, pimiento/pigmentum, para elevar el fruto y su color hasta su esencia mística.

Nigredo / Sinfonía en 12 movimientos; en TAPÍS la recolección inicial del “tap de cortí” es seguida por la limpieza del espacio, desnudo y pedregoso, del que ha sido extraídos para pasar a esa labor de enristrado que hombres y mujeres comparten, reunidos en torno a una mesa que preludia la soledad de la artista, cargando sobre su espalda por los campos del Salobrar una capa/cruz de resonancias indudables. Calvarie locus que se extiende a lo largo de seis kilómetros que, de forma literal, traen a nosotros el pathos crístico y sacrificial de las tres caídas. Diríase que esa dolorosa contritio en la que la artista lleva en sí, sobre sí, la prima materia del “tap de cortí”, la desnudez doliente de la physis, es el nigredo de una alquimia mística que atraviesa su primera fase buscando la natura abscondita del material orgánico que deberá transustanciarse a través del molido y del subsiguiente bautismo alegórico del albedo, purificación y ablución cuya contundencia plástica produce en nosotros la impresión de una ceremonia milenaria que nos golpea íntimamente. Una cartografía cuidadosamente excavada en el suelo pedregoso, cuya magnífica escala nos permite contemplarlo a vista de pájaro, caligrafía, con el propio polvo del “tap de cortí” recién molido, la palabra TAPÍS. Ornar la tierra inculta. Grabar sobre ella, con la morosa lentitud de esa mano de mulier faber que va tiñendo el suelo de un naranja intenso, el testimonio de un opificio mundi o de una re-generación que, quizá hoy más que nunca, se reclama como necesaria.

Albedo / No es casual que Mónica Fuster interprete la transición al albedo, proceso de purificación de resonancias lunares y claro acento femenino, bajo el símbolo de la hilatura y la trama. Limpiar las fibras blancas de las telas de lino y algodón procedentes de la fábrica de telas de llengües, enjuagarlas cuidadosamente en continentes sucesivos de agua regia, es a la vez el equivalente simbólico de un proceso de clarificación interior y de una sutura cósmico-terrestre que adquiere su correlato en la figura de la artista, que, envuelta en una suerte de sudario albo, se re-friega sobre una escultura orgánica confeccionada con pastillas de jabón. Labrando su propia forma a ras de tierra. Sumida, aún, en el misterio de ese abismo trascendente cuyos fotogramas deslumbran la retina como los rayos de tinieblas que un día concibió Plotino. El zumbido de una abeja, que irrumpe puntualmente en la ceremonia, pone un contrapunto de polinización mística a este ritual en el que la contingencia del cuerpo/trama, ovillado en la vasija de una placenta mística, nos traslada desde la urdimbre inmanente de la carne a su sublimación trascendente. Entre los adoquines jabonosos, nacen hojas de buganvilla de color fucsia que nos conducen directamente al proyecto INCERTIDUMBRE, alzando sus alfanjes vegetales sobre el suelo jabonoso en lo que se anuncia como el prefacio de una delicada y morosa hierofanía. “Con esto –dice Jung- se consigue la primera meta principal del proceso, el albedo, tinctura alba” que purifica y otorga un prefacio lunar a la salida del sol con la que el héroe, padre mítico, ave fénix eternamente reencarnada, renace de sus cenizas.

Rubedo / Tintar la claridad del paño con la tintura extraída del “tap de cortí”. Sumergirse en la llama anaranjada que parece arder bajo las luces del poniente. Contemplar la figura de la artista zarandear la tela y dejarla ondear, bandera alquímica, en el éxtasis final de un vuelo íntimo, de un vuelo éxtimo. Asistir a la boda alquímica en la que physis y nous acaban por reunirse en la calidez de un metafórico abrazo que solapa las figuras de padre e hija; que solapa, también, el sentido último de la escalera de figueral que, instalada en el propio locus del Salobrar de Campos, sacraliza el espacio y lo erige en sede y en metáfora de una condición ontológica universal, materia prima que ha sido bendecida a través de ese calvario iniciático y de esa labor de colada espiritual que ahora esplenden en la gradualidad ascendente de una verdadera escala meta-física. En la pieza que falta –aún– una vasija-útero-mujer, Mónica Fuster, matriz y matraz alquímico, parece querer hacer renacer al padre, ave fénix cuya figura se expande solidaria con la de la Naturaleza entera. Pater naturalis. Pater aeternus cuya prima materia ha hecho posible la existencia de la artista. Espetado en la tierra, un día no lejano ese cuenco, cuya sobredeterminación nos sumerge en una red de multiplicidades simbólicas, albergará el agua de la lluvia, y de ella beberán los pájaros, y el agua fraguará en la quietud del hielo y ascenderá, evaporándose, nadir y cénit, bajo la caricia de un sol invictus.

Coda / ¿Qué remotas regiones teñirán nuestras almas cuando tengan, al fin, el don incierto y póstumo del vuelo? Pasado ya el solsticio de verano, Perséfone vuelve a las profundidades para resurgir, como el Fénix, en otra primavera. A esta hora de la noche, junto al río, los cínifes se inmolan en la llama de una vela. La luz de la luna ilumina el cuenco donde un día reposará, peregrina alquímica, el alma buena de Pedro Fuster. Y una nueva Opus magna, otra Gran Obra de Mónica Fuster, peregrina incansable del misterio, arrojará sobre él la plenitud cíclica de un milagro.

Inés Marful

Doctora en Filología y Filosofía

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TAPÍS. Piedad Solans (M arte y cultura visual)

pablo — 2024-12-19T08:04:05Z

Al comenzar este artículo, miles de tractores conducidos por agricultores circulan y bloquean las carreteras y autopistas de Europa.

La extinción de tradiciones agrícolas y artesanas, el dolor y el cansancio del cuerpo de las mujeres, sometido milenariamente a la carga y a un duro trabajo físico, la soledad y la colectividad en las labores del campo, la repetición de los gestos y de los ciclos de la naturaleza, las caligrafías entre lo textil y lo textual confluyen en un proyecto multidisciplinar titulado TAPÍS, realizado desde 2020 por Mònica Fuster en la isla de Mallorca: “un grito de auxilio”, dice la artista, que reclama escuchar “el dolor de la tierra” así como “un contacto más íntimo, espiritual y respetuoso con el cosmos”. Pues la manera de entender la tierra de Mònica Fuster no tiene que ver con la explotación de la corteza del planeta, sino con una antropología que investiga en las relaciones colectivas y anímicas humanas entre sí, con la naturaleza y con las formas orgánicas y nutricias de la vida a través del trabajo.

Seleccionado en la convocatoria Crida 2020 del Ayuntamiento de Palma y posteriormente por el equipo curatorial de la Bienal de La Habana (2021), TAPIS explora, desarrolla y reúne registros etno-culturales, tradiciones y prácticas artísticas como acciones, video, instalación, fotografía, piezas escultóricas y textiles, en un tejido de símbolos, caligrafías, experiencias y significados donde convergen el arte, la producción agrícola y textil, el cuerpo y la ecología. A través de investigaciones botánicas y tinturas de plantas autóctonas (algunas de ellas en extinción) utilizadas en las tradicionales telas mallorquinas de llengües por la industria textil, y de técnicas, cultos arcaicos y rituales del trabajo agrícola en el Mediterráneo, Mònica Fuster entrama una diversidad de actos, sustancias, materias y gestos repetidos –cavar, plantar, caligrafiar, enristrar, transportar, enjabonar, lavar, enjuagar– en su propio cuerpo, elaborando “un canto elegíaco por la tierra, arraigado en el más profundo acervo instintivo que enlaza espacios sociales, sacros y cosmogónicos en los que el cuerpo en movimiento piensa el Universo que nos une”.

A través de una serie de diez acciones realizadas individual y colectivamente en el campo y en lugares de Mallorca vinculados al mundo agrario, rural y a la industria textil –los campos de cultivo de Vilafranca de Bonany, el Salobrar de Campos, los lavaderos o rentadors de Randa–, Mònica Fuster efectúa procesos corporales de metamorfosis y trasmutación de las materias, lo textil y lo textual. Recogidas en un video, sus títulos corresponden a palabras –antiguos verbos utilizados en Mallorca– asociadas a la repetición cíclica de gestos, movimientos y sensaciones físicas y anímicas que tienen que ver con faenas agrícolas y textiles: Cal.ligrafiar, acción de mensurar, cercar y surcar la tierra antes de plantar las semillas; Assecar, acción de caminar cargando sobre el cuerpo la cosecha recogida; Ensabonar y aigualejar, acciones de lavado, limpieza y purificación de los tejidos y de sí misma; Pentinar, Eixalbar, Desnuar, Arreplegar, Enristrar, Aigualejar, Tenyir o Tintar …

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Mònica Fuster fusiona l'art contemporani amb l'art ancestral del pebre bord

pablo — 2024-12-19T08:03:57Z

L'artista contemporània Mònica Fuster ha conclòs aquest passat mes d'octubre el projecte Tapís, centrat en la confluència de l'art contemporani, el pebre bord i el tap de cortí, amb una visual performance titulada Assecar, 7 escales. Arrossegant una extensa capa amb enfilalls de pebres de tap de cortí, realitzada per les participants de la dinàmica comunitària Enristrar, l'artista ha fet un recorregut pel centre de Felanitx, posant, també al centre, aquesta part del procés de producció d'un element que esdevé fonamental a la nostra gastronomia. La passejada va tenir moments molt poètics que van concloure a la capella de Santa Maria amb una acció final de caràcter ritualista que impregnà tot l'espai d'una agradable olor de pebre bord; fet que ens du a reflexionar sobre el futur incert del camp mallorquí. El projecte ha estat comissariat per Sebastià Mascaró i ha comptat amb la col·laboració de la Casa de Cultura de Felanitx, la Regidoria d'Educació de Felanitx, la Parròquia de Sant Miquel, Piedad Solans, Àngels Albons, Gertrud Gómez, Arnau Pons, Coloma Crespí, Bel Maria Galmés, Joana Maria Riera, Maria Mesquida i les fotografies d'Alba Massanet, Biel Servera i Pepe Cabañete.

Enristrar

Així, com a preparació de la performance, durant el mes de setembre, a les Portasses de l'Hospici de Felanitx i coincidint amb la recollida del pebre, Mònica Fuster va dur a terme l'activitat de mediació cultural Enristrar on un grup d'una quarantena de dones, intergeneracional i multicultural, va aprendre l'antiga tècnica de fer ristres. Entre el grup de dones hi van participar el col·lectiu ‘Dones en marxa' de Felanitx i el grup de professores del CEIP Joan Capó …

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Cuerpo y materia en el territorio de lo sutil.

monica fuster — 2024-03-06T09:59:55Z

Body and Matter in the realm of the Subtle. A conversation between Mónica Fuster, Inma Herrere and Shirin Salehi. Bilingual text (Spanish and English) for the artist publication 'A Fixed Point to Be Oriented' Published December 2023.

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Aurea sensibilitas

monica fuster — 2019-12-09T16:31:17Z

Qué difícil es adentrarse en tan complejo mundo, aquel en el que se adentra él o ella, el creador, que adoptando la intuición, hace de la misma su doctrina, y desde la cual desarrolla una metodología que se fundamenta en la experimentación. Se evoca aquí el sentido mágico que envolvía la práctica de la alquimia. El artista se adentra pasionalmente en un entorno existencial único, más allá de cualquier consideración, y como en el acto de meditación, y su práctica continua, consigue alcanzar un estado único en donde la pureza se combina con la necesidad de descubrirse así mismo, y también a través de los elementos que nos rodean, como parte de un todo, bebiendo de esa idea cosmológica, entendida desde su concepción filosófica de la naturaleza aplicada al arte, que enlaza con una visión primigenia de la praxis artística entroncada con la idea de la evolución de la civilización humana. Si en una gota de agua podemos ver el universo, y el enigma de su creación, en el áureo elemento vertebrador de vida y de cultura, esencial en la comprensión de nuestra civilización, podemos vernos a nosotros mismos, como parte de ese universo trasformado por la humanidad.

Mònica Fuster actúa como si de un chamán se tratara, como expresión de esta colectividad humana a la que el artista puede por sus atribuciones representar, dentro de una tradición en la que encontramos figuras que tienen un gran significado en el contexto simbólico de la historia del arte contemporáneo, como son Joseph Beuys o Ana Mendieta, ambos artistas referentes indiscutibles han sido, a pesar de sus diferencias, creadores que han comulgado de una misma manera de entender la práctica artística: más allá de ser agentes creadores de objetos de contemplación, gozo o catarsis, han actuado activamente desde sí mismos y en relación a los elementos que conformaban sus respectivas cosmogonías. En la obra de Mònica Fuster, y especialmente en estos últimos trabajos, podemos ver los precedentes de este vínculo performático, fruto de un ansia por experimentar que es a su vez la manifestación de una “acción ritual “, que más allá de cualquier espacio o lugar, tiene la necesidad de materializarse en objetos, en algunos casos, de preciosa manufactura y gran belleza estética, como si de lo inmaterial o espiritual deberíamos pasar a un medio material, físico y tangible, más propio de la producción artística.

El aceite, áureo elemento, tiene atributos sagrados y estos están ligados a la idea de lo divino. Esta preciosa y densa sustancia, es un elemento esencial de la ancestral cultura balear, y de la civilización mediterránea. Una civilización que abraza pueblos de creencias y culturas diversas pero que mantiene vínculos esenciales en común. Es por lo tanto, un motivo de celebración el saber cómo se ha establecido ese vínculo conceptual a través del proyecto alter ego de Oleo, que ha sido l-Kādō para La Tour du Ciel -Borj al-samaâ, en Tánger.

Oleo, es icononológicamente una metáfora de la pintura, expresada en diferentes formatos y soportes, a través de la utilización de elementos naturales para extraer de ellos sus cualidades cromáticas y también olfativas, en un paradigma de la futilidad y volatilidad de la naturaleza, que se identifica, por lo tanto, con la vida, entre lo tangible y lo intangible. Y es en este contexto, y aprovechando estas ricas propiedades, como se hiciera ancestralmente, en donde encontramos como medios esenciales de este proceso pictórico, el aceite, la cúrcuma y el vino, elementos sobre los que Mònica ha realizado una exhaustiva investigación y desarrollado un intenso proceso creativo, de tal manera que como resultado de su acción pictórica y de ese proceso, presenta obras en libro-lienzo desplegables, exquisitamente realizados.

A través de los medios expresivos presentes en este proyecto, fotografía, vídeo, pintura, y la riqueza de soportes como los libros-desplegables en fundados en piel, o los recipientes cerámicos que contiene aceites esenciales, podemos leer un historia de muchas historias o adentrarnos en un universo, que como en las danzas sufís, a través de la unidad se alcanza el todo, en un ejercicio de catarsis en la que nos desprendemos de lo material para adquirir una sensibilidad áurea.

Mònica Fuster. La marca visible

monica fuster — 2019-12-09T15:40:52Z

Fragmento del texto del catálogo. La marca visible.

En el trabajo de Mónica Fuster la materia se relaciona con lo inmaterial. Su obra opera con el tiempo, las palabras, las trasformaciones, el crecimiento, la vida, la muerte y sus huellas.

Acreditada reivindicadora del dibujo, Fuster es una creadora de gráfica y libros de artista y autora igualmente de obras fotográficas y videográficas. Fuster cede, muchas veces, su protagonismo en la realización de las obras a la intervención del azar y lo incontrolado. Su interés por la alquimia o sus investigaciones con materiales tales como las semillas y el papel artesanal se unen a su cualificado oído para el carácter poético del lenguaje.

Algunas de sus series fotográficas son el resultado de un interés por fusionar el dibujo con la fotografía y profundizar, a su vez, en el tratamiento gráfico final mediante la utilización de nuevos procesos digitales, una metodología de trabajo que funciona por asociación, como la construcción de nuestra memoria, subjetiva, selectiva.

A partir del poema de George Stolz, From cause to consequence ( and back again ) uno de sus mas recientes trabajos es un vídeo con idéntico título en donde investiga con los significados de las palabras, de sus grafías y de sus sonidos. Dividida en tres actos, la obra fluye recogiendo los sucesivos desplazamientos visuales, desde la escritura, el dibujo, y auditivos, desde la sonoridad del texto al murmullo. La desaparición final de la materia y el silencio revelan sus sentidos, simbólico y ritual.

Mónica Fuster. Una naturaleza que vuelve. Por Alberto Arenillas

monica fuster — 2017-07-25T10:39:41Z

- 03. textos

Artists conversations, 2016

pablo — 2016-03-07T09:21:25Z

The artists Monica Fuster and Agustín Ortiz gather in this project to reflect on the artistic scope circumscribing some of their works. This is an excerpt of one of these conversations. In it they talk about the common and divergent aspects between two of their art works, "Incertidumbre" by Mònica Fuster and "Decay" by Agustín Ortiz.

A: Sometimes when I think back on "Decay", images of your art work "Incertidumbre" come to me. It occurs to me that between the two works there are certain commonalities, such as the theme of the life cycle. Apparently the two proposals seem to go in opposite directions, mine speaks of decadence and yours, in principle, of the creation. Maybe your work reproduces a larger cycle, which, although it begins with the first-strata of life, in the end decadence comes inevitably and takes the lead on the final stage of the process. But one might mention that the real point in common is the cycle. In "Decay" a clay figure breaks down in the initial magma that created it, dust and water. In yours the cycle is also complete, the death leaves dormant life waiting for good conditions to start the process again.

M: In both pieces the key is in its cycle, in it's transformation process, change, metamorphosis. About the project “Incertidubre” the initial idea was to see what would happen if you use paper instead of dirt as a substrate, plus the help of water and light. The idea was to observe if in this medium mustard seeds ( Brassica campestris ) could germinate and not only that, but as well the action itself would contain all the implicit sense of uncertainty, this inevitably refers to an essential meaning of existence and the processes of creation, which are for me the cornerstones of the proposal I call "poetic action". In "Decay" dust slowly dissolves in water and is again the dregs of that dust in the bottom and by its weight. In "Incertidumbre" , the crop paper germinates across the “concept / word” breaking through the cotton pulp , then micro-gardens and micro- landscapes caused by lichens and mosses take shape on paper, this aspect interests me very much because all the evocative strength arises from its own decomposition , another point in common with "Decay".

A: I agree. In both works is also very present the reflection on the process of creation. In "Incertidumbre" life breaks through inevitably and unpredictably, as noted in the title. What apparently is under control ends up taking contingency plans. In "Decay" the destruction process can not be more random, the decomposition takes relevance highlighting the visual and creative aspect of the act. In both works the beauty is expressed through unusual channels and this action serves of a metaphorical action. One can find beauty in the most unexpected places, as in our lives as well, at any point in the life cycle. In the creation and death, growth and decay.

M: I'm interested in the thoughts that you aim about the unpredictability of life, to which I would add that nature is governed by its own laws unknown to us. And about beauty, it is true that exist in the most unexpected places but often terrible, that's the quest, or rather the great discovery that takes us by surprise and snatch us away completely, and I understand that right there it must be the key of the befitting creative act.

A: I do not know much about the starting point that you provided as basis for the creation of "Incertidumbre" that would perhaps be an interesting asset to contrast. But I can explain about the beginning of "Decay". This action is, in fact, the repetition of a game that I realized in my teens. Therefore, the recovery of memory is an important element. Youth is invoked here, in addition to the recreation of a childhood game, by the element introduced in the water, and it serves as the starting point of an inevitable and unpredictable process, even though, according to our experience, we know the end in advance. The beauty and the agony go together, in this case corresponded the first one with the visual aspect and the second with the sonorous. Indeed, one has to make an effort to discover the beauty, it is deconstructed in some way. If we know how to change the prevailing perspective we discover that life can be beautiful in its continuous decomposition.

M: The idea of the project came to me when reading a text by German physicist Weiner Heisenberg where I came with the conclusion that a particle can be in two places at once , traveling in opposite directions and even be in two opposite poles of the hemisphere and be influenced one by another. The reality is uncertain and the uncertainty principle rules life. This concept caught me so there it came the idea of producing the piece and observe what was happening in it, but also with me and with others, because back then it made sense building it in a considerable size so that it could be walked through, observed closely and experienced in all its processes.

Here the sound would be imperceptible but obviously it exist , when germinating and mutating and drying out all together, also I think that if I repeat it some day I would place a high precision equipment that could record these sounds to amplify them, something like cavitations. So, in a hidden way, there are subtle sound relationships between Decay and Incertidumbre. And another very relevant aspect that gives meaning to its live dimension and large format is the smell , the scent given off by the seeds when germinating and go rotting , the smell of lichens and mosses resulting of the putrefaction and the intense odor that remains submerged in the pulp once everything stays away from water and dries up.

In relation to the body and the memory I might say that all emerged micro- landscapes look different stages of life and its latitudes are like body temperatures in relation to these stages or phases.

I wonder how much influence it exerts nature over the conscience of the impermanent meaning of life. The self-confrontation among ones great bewilderment. Every moment is the last moment, or what would be the same, the last time comes back eternally. Here perhaps I respond to what you ask me later about the passage of time. But the key issue for me is always poetic: the perceptive vision that is done with the emotional encounter with nature, there is made as a poetic recreation with the landscape because everything is within us.

A: I want also bring a reflection on the passage of time that is present in the two works. In yours time takes an almost corporeal role. All elements , paper , seeds , water , light , air, are placed in an accurate way so that the time can run the miracle of life , the connecting element without which the work would lose operability , and perhaps all its sense. The work is to be observed on a given space and time, granting it with an almost magical intense magnetism. (M: Also hidden , to be unveiled ) The transformation is continuous and diverse and do not depend on any other will but of the interaction of the elements. We observe and reflect on the process , enjoyed or suffered it , but it requires our presence in that shared space and time. However in my video , the time comes already manipulated. Through the trick of editing the perception we have of the process it is accelerated. In the art work time is an illusion that can also be revived as a constant going back to the beginning. The returning to the idea of the cycle. Memory is also an illusion , just as our perception of the present time. The video must be exposed in an endless loop, only the viewer decides when he or she have enough of the exposed reality and leaves the room to acquire, immediately, a memory. Similar process to what initiated the art work idea, the recovery of the memory of childhood. M: Interesting !

M: Finally I will say that my intention was to recycle the paper after the expiry of all the action and grind it again to use it as the basis for a book artist who reflect upon uncertainty making use as visual database the project images, or more specifically of those unexpected landscapes that have arisen. Something like joining the processes of a naturalist with the existential poetry of action, and in this I am working in collaboration with the writer José Carlos Llop. Actually I don't know yet what he will do but it is also part of the uncertainty. As someone told me, is the spice of life!

A: Yes, life is impermanency and we have to learn how admire the nature that is within us to achieve some understanding, albeit is an arduous task, it can help us to grasp the meaning of the journey that we are on.

Mònica Fuster Agustín Ortiz

Dialectic between art and science

pablo — 2014-08-05T18:13:57Z

Explosions

The story could begin with a burst, with a dispersion of the hive or cellular metastasis and the later gathering at one point, in one pupil known to be myopic and, thus, extraordinarily beautiful. A hexagon, a regular polygon and a symbol of perfection which slowly dissolves. Nothing is heard yet we can sense the buzzing left by this movement of disintegration and configuration. It's a cumulative process of particles that attract and repel each other. There's a central emptiness as the particles invade and immediately leave, leaving the emptiness more void that ever. The chaos is sequentialized. But the objective is the search for symmetry and, therefore, certain serenity. Eyeballs that shake. Dots which are pupils that dilate and contract, that overlap and project the formation of a perfect tear.

Deconstructions

An archipelago is a group of islands that are united by that which separates them: the sea. The movement in some way imitates the movement of the tectonic plates. If in the beginning there was Pangea (“entire earth”, “entire land”), a supercontinent that saturated everything and was surrounded by a single sea as well (Panthalassa), the next process was the slow and relentless decomposition, fragmentation, fracture and logical multiplication of islands or particles that would end up coming together in a movement of contraction into a more compact and homogeneous body.

Levitations

A pearly, misty landscape that is gradually geometrized into a great hexagon over the expansive saline. The formation of the hanging crystal. When the matter is released from the ties of the surface and fights to counter the most basic laws of gravity. Subtleness it attempts to hoist as if the final exercise of he who has achieved the final state of meditation. The peaceful illumination of a wise man. Here the particles are distributed in a more balanced way. The will of symmetry persists from the start. While as the color of detachment and purity. Barrenness as the symbol of the beginning, of all starts yet also of all endings, of everything achieved. An inaugural look as well as the final state of beatitude. The hexagon remains unchanging. The perfection is not violated or subject to any type of movement that deforms it. The initial structure of the crystal is preserved: the hexagon.

Sighs

At first glance: a contrast between the grey desolation of the island landscape and the basalt of the refuge itself as well as the orthopedic stridency of the nylon. Between the pure matter and the material subject to human manipulation. The refuge as the doorway to the central fire within,

in the heart of the planet. But also the refuge as the hollow and mouth, an orifice that lets out the igneous breath to the cold surface. The refuge is the essential home, the most primary domicile, the simplest and most necessary architecture. An open landscape. A mineral home over the wasteland thrashed by that wind that forms a sigh, a dry breath. The nylon is the only element that indicates the existence of the wind. The solidness of the basalt is equal to the stark permanence.

Here we see the dialectics between that which is ancestral and that which is strictly contemporary, between the physis and the poiesis, between nature, art and science.

José Vidal Valicourt, 2014

Version en castellano:


Dialéctica entre arte y ciencia

Conversaciones entre artistas

pablo — 2014-05-01T17:39:52Z

Los artistas Mònica Fuster y Agustín Ortiz se reúnen para reflexionar sobre el espectro artístico que circunscribe algunas de sus obras. En estas conversaciones los artistas tratan sobre aspectos comunes y divergentes. Este fragmento se ocupa de la instalación "Incertidumbre" de Mònica Fuster y el video "Decay" de Agustín Ortiz.

A: A veces, cuando pienso de nuevo en "Decay", me vienen imágenes de tu obra "Incertidumbre". Se me ocurre que entre las dos obras hay ciertos puntos comunes, como por ejemplo, el tema del ciclo vital. En apariencia las dos propuestas parecen ir en direcciones opuestas; la mía habla de la decadencia y la tuya, en principio, de la creación. Quizá tu obra reproduce un ciclo más amplio, por que, aunque toma como punto de partida los estratos más primerizos de la vida, al final la decadencia es inevitable y toma protagonismo en el último tramo del proceso. Pero cabría hablar de que el verdadero punto en común es el ciclo. En "Decay" la figura de barro se descompone en el magma inicial que la creó, polvo y agua. En la tuya el ciclo también es completo, la muerte deja latente la vida a la espera de buenas condiciones para empezar de nuevo el proceso. Aunque no estoy seguro de que fuera así, no sé si las plantas produjeron semillas.

M: En ambas piezas la clave está en su ciclo, en su proceso de transformación, cambio, metamorfosis. Sobre el proyecto “Incertidumbre” la idea inicial era observar qué ocurría si utilizaba el papel en lugar de la tierra como sustrato, mas la ayuda del agua y de la luz. La idea era observar si en ese medio las semillas de mostaza ( brassica campestris ) podían germinar y no solo eso, sino que la acción en si misma contuviese todo el sentido implícito de la Incerrtidumbre, ello inevitablemente remite a un sentido esencial de la existencia y también de los procesos de creación que para mi son los ejes centrales de la propuesta que denomino "acción poética". En "Decay" el polvo se disuelve lentamente en el agua y queda de nuevo el poso de ese polvo en el fondo y por su peso. En "Incertidumbre", tras el cultivo del papel germina el concepto / la palabra atravesando la pulpa de algodón, luego se van configurando microjardines y micropaisajes provocados por los líquenes y musgos en el papel, este aspecto me interesa muchísimo ya que toda la fuerza evocadora surge de su propia descomposición, otro punto en común con "Decay".

A: Estoy de acuerdo. En ambas obras también está muy presente la reflexión sobre el proceso de creación. En "Incertidumbre" la vida se abre camino de forma inevitable e impredecible, como bien apunta el título. Lo que en apariencia está bajo control acaba tomando designios imprevistos. En "Decay" el proceso de destrucción no puede ser más aleatorio, la descomposición toma relevancia resaltando el aspecto visual y creativo del acto. En ambas obras la belleza se expresa a través de canales inusuales y este hecho sirve de acción metafórica. La belleza se encuentra en los lugares más insospechados, como también en nuestras vidas, en cualquier momento del ciclo vital. En la creación y también en la muerte, en el crecimiento y en la decadencia.

M: Me interesan las reflexiones que apuntas sobre lo impredecible de la vida, a lo que añadiría que la naturaleza se rige por sus propias leyes desconocidas para nosotros. Y sobre la belleza, es cierto que se encuentra en los lugares más inesperados y muchas veces terribles, esa es la búsqueda, o mejor dicho el gran hallazgo que nos toma por sorpresa y arrebata por completo y entiendo que allí debe estar la clave del propio acto creativo.

A: No conozco demasiado sobre el punto de partida que te sirvió de base para la creación de "Incertidumbre", ese sería quizá un aspecto interesante para debatir. Pero te puedo explicar sobre el inicio de "Decay". Esta acción es, de hecho, la repetición de un juego que yo realizaba en mi adolescencia. Por tanto, la recuperación de la memoria es un elemento importante. La juventud, aquí invocada, además de por la recreación de un juego de infancia, por el elemento introducido en el agua, es el punto de partida de un proceso inevitable e impredecible, aunque, por nuestra experiencia, sepamos el final de antemano. La belleza y la agonía van unidas, en este caso correspondida la primera por lo visual y por lo sonoro la segunda. Eso sí, a la belleza hay que descubrirla, está de alguna forma deconstruida. Así es, si sabemos cambiar el punto de vista predominante, la vida: bella en su continua descomposición.

M: Se me ocurrió el proyecto leyendo un texto del físico alemán Weiner Heisenberg con el que llego a la conclusión de que una partícula puede estar en dos lugares a la vez, viajar en direcciones contrarias e incluso estar en dos polos opuestos del hemisferio y verse influenciada la una por la otra. La realidad es incierta y la incertidumbre se rige como principio en la vida. Esta idea me atrapó y de allí me vino realizar la pieza y observar lo qué ocurría con ella, conmigo y respecto a los demás porque para mi tenía sentido realizarla en una dimensión considerable de forma que pudiese recorrerse, observarse de cerca, vivenciarse en todos sus procesos. Aquí el sonido sería imperceptible pero existe claro, al germinar y mutar y desecarse todo, incluso pienso que si la repito colocaría unos aparatos de alta precisión que pudiesen registrar esos sonidos para amplificarlos, algo así como cavitaciones. Así que de forma oculta existen relaciones sonoras sutiles entre “Decay” e “Incertidumbre”. Y otro aspecto muy relevante y que le da sentido a su dimensión en vivo y gran formato es el olor, el aroma que desprenden las semillas al germinar y al ir pudriendose, el olor de los líquenes y musgos resultados de la putrefacción y finalmente el olor intenso que queda sumergido en la pulpa de papel una vez todo esta seco y sin agua. En relación al cuerpo y la memoria quizás diría que todos los micropaisajes surgidos parecen diferentes etapas de la vida y sus latitudes temperaturas corporales en relación a esas etapas o fases. Me pregunto qué influencia ejerce la naturaleza sobre la conciencia del sentido impermanente de la vida. La confrontación con uno mismo en medio de su gran desconcierto. Cada momento es el último momento, o la última vez regresa eternamente que vendría a ser lo mismo. Aquí quizás respondo a lo que me propones a continuación sobre el paso del tiempo. Pero la clave para mi es siempre poética: esa visión perceptiva que se realiza con el encuentro afectivo con la naturaleza, allí se realiza una recreación poética con el paisaje porque todo esta dentro de nosotros.

A: Quiero traer aquí también la reflexión sobre el paso del tiempo que está presente en las dos obras. En la tuya el tiempo toma un protagonismo casi corpóreo. Todos los elementos, el papel, las semillas, el agua, la luz, el aire, se colocan de forma precisa para que el tiempo haga funcionar el milagro de la vida, ese elemento de unión sin el cual la obra perdería operatividad y quizá sentido. La obra se ha de observar en un espacio y tiempo determinados, lo que le otorga un magnetismo intenso, casi mágico.

M: También oculto, por desvelar. La transformación es continua y diversa y no depende de otra voluntad que la de la interacción de los elementos. Nosotros observamos y reflexionamos sobre el proceso, lo disfrutamos o lo sufrimos, pero requiere de nuestra presencia en ese espacio y tiempo compartido. Sin embargo en la mia, el tiempo nace ya manipulado. A través del truco de la edición se acelera la sensación que tenemos sobre el proceso. El tiempo es aquí una ilusión que, además, se puede revivir en un constante retorno al inicio. La vuelta a la idea del ciclo. La memoria es también una ilusión, al igual que nuestra percepción del tiempo presente. El video debe ser expuesto en un loop interminable, sólo el espectador decide cuando tiene suficiente de la realidad expuesta y sale de la sala para adquirir, de inmediato, un recuerdo. Un proceso parecido al que dio inicio a la pieza, la recuperación de la memoria de la infancia.

M: Interesante!

M: Finalmente te diré que mi intención era recuperar el papel una vez transcurrida toda la acción y pulverizarlo de nuevo y que este fuese la base para realizar un libro de artista que reflexionase sobre la incertidumbre sirviéndose como base visual de las imágenes del proyecto, o más concretamente de aquellos paisajes inesperados que han ido surgiendo. Algo así como unir los procesos de un naturalista con la poética existencial de la acción, y en ello estoy trabajando con la colaboración del escritor José Carlos Llop que no sé todavía lo que hará pero ello forma parte también de la incertidumbre, que como alguien me dijo, es la sal de la vida!

A: Si, la vida es impermanencia y tenemos que aprender a admirar nuestra propia naturaleza si queremos alcanzar algún tipo de conocimiento. Aunque esta sea una ardua tarea, puede ayudarnos a entrever el significado del viaje en el que estamos embarcados.

Mònica Fuster Agustín Ortiz

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Artists Conversation